Gestaltungsmöglichkeiten des Musicaltanzes (Jazzdance, Ballett, Tapdance, Ensembletanz/Show)

Institut für Musik

Version 9.0 vom 09.04.2021

66B6313

Options for Interpretation in Musical Dance (Jazz Dance, Ballet, Tap Dance, Ensemble Dance / Show)

Musikerziehung - Musical (B.A.)

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Fließende Tanzelemente stehen im direkten Kontrast zu akzentuierten modernen Bewegungsformen. Die Überführung einer darstellerischen Idee in tänzerischen Ausdruck in seiner vielfältigen Form dokumentiert die Ausnahmesituation des Musicals. Tanz nicht als Selbstzweck, sondern als Steigerung des authentischen Ausdrucks in Kombination mit Gesang, erweitert die Ausdrucksskala eines Musicaldarstellers zu einer spartensprengenden Kunstform.

• Jazzdance:
• 1. Vertiefung der technischen Fertigkeiten
• 2. Tanzstile: Fosse, Hip-Hop, High Heels, Broadwaystil
• 3. Entwicklung eigener Choreografien
  
  Ballett:
• 1. Längere und dynamischere Kombinationen
• 2. Verschiedene Abschlusspositionen von Pirouetten und Tours
• 3. Erhöhung des gesamten Trainingstempos
• 4. Entwicklung von großen Sprüngen und Grand Allegro
• 5. Verschiedene Grand Pirouette-Variationen
• 6. Kombinationen von Pirouetten und Adagio
• 7. Battutechnik, Grand Allegro-Kombinationen
• 8. Diagonale
  
  Tapdance:
• 1. Warm-up zur Lockerung der Fußgelenke
• 2. Weiterführende, schwierige Techniken und Kombinationen (Double Pullbacks, Wings, Toestands etc.)
• 3. Training von Schnelligkeit und Sauberkeit
• 4. Verwendung von Requisiten wie Stock oder Hut in einer Choreografie
• 5. Einstudierung schnellerer Broadwaystil-Choreografien mit schwierigeren Rhythmen und Schrittkombinationen
  
  Ensembletanz/Show:
• 1. Choreografien mit hohem Schwierigkeitsgrad
• 2. Einstudieren von unterschiedlichsten Ensemblechoreografien
• 3. Tanzstilkunde
• 4. Steigerung der Fähigkeit zum optimalen Krafteinsatz
• 5. Ausbau des Repertoires
• 6. Performance Training
• 7. Übungen für Auditionsituationen

Wissensverbreiterung
Die Studierenden der Hochschule Osnabrück, die dieses Modul erfolgreich abgeschlossen haben, können die unterschiedlichen Stile im Musicaltanz unterscheiden und diskutieren, sowie ihre stilistische Herkunft beschreiben.
Wissensvertiefung
Die Studierenden der Hochschule Osnabrück, die dieses Modul erfolgreich studiert haben, sind in der Lage, bereits Gelerntes aus den vorherigen Semestern zu vertiefen und zu konsolidieren. Sie können verschiedene Qualitäten miteinander verbinden und kombinieren.
Können - instrumentale Kompetenz
Die Studierenden der Hochschule Osnabrück, die dieses Modul erfolgreich studiert haben, können die Möglichkeiten des tänzerischen Ausdrucks strukturiert performativ einsetzen und neu interpretieren.
Können - kommunikative Kompetenz
Die Studierenden, die dieses Modul erfolgreich abgeschlossen haben, sind in der Lage, ihre tänzerischen Fähigkeiten in bekannten stilistischen Kontexten sowie in kreativen neuen Formen zu präsentieren und sind in der Lage, stilistische Elemente aufzunehmen und weiterzuentwickeln.
Können - systemische Kompetenz
Die Studierenden, die dieses Modul erfolgreich studiert haben, sind in der Lage, berufsbezogene Fähigkeiten, Fertigkeiten, Techniken und Kompetenzen einzusetzen, um komplexe musikalische und tänzerische Inhalte zu bewältigen.

Gruppenunterricht, Training, Eigenarbeit, Videoanalyse, Supervision

Erfolgreicher Abschluss des Moduls: "Bewegungsprinzipien des Tanzes"

Wienhausen, Sascha

• Schmieder, Michael Josef
• Tasfi, Nicole
• Tasfi, Gabor
• Bahle, Oliver
• Giusti, Viviana
• Prof. Michael Schmieder, Nicole Tasfi, Viviana Giusti, Gabor Tasfi, Oliver Bahle

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1. Agrippina J. Waganowa, Grundlagen des klassischen Tanzes, Henschel Verlag, 2002.
2. Jochen Schmidt, Tanzgeschichte des 20. Jahrhunderts in einem Band mit 101 Choreografenportraits, Henschel Verlag, 2002.
3. Horst Koegler und Klaus Kieser, Wörterbuch des Tanzes, Stuttgart: Philipp Reclam jun., 2009.
4. Nikolai I. Tarassow, Klassischer Tanz, Die Schule des klassischen Tänzers, Leipzig: Henschel, 2005.
5. Vera S. Kostrowitzkaja, Schule des klassischen Tanzes, Die Waganowa-Methode in der Praxis, 2003.
6. Liane Simmel, Tanzmedizin in der Praxis. Anatomie, Prävention, Trainingstipps, Leipzig: Henschel, 2009.
7. Eric N. Franklin und Erich Walker, Tanz-Imagination. Stark im Ausdruck und perfekt in der Technik. Das Handbuch für Training und Bühne, Vak-Verlag, 2009.
8. Jacqui G. Haas, Trixi Maraile Bücker und Birgit Pleier, Dance Anatomie. Illustrierter Ratgeber für Beweglichkeit, Kraft und Muskelspannung im Tanz, Copress, 2010.
9. Gitta Barthel und Hans G. Artus, Vom Tanz zur Choreographie. Gestaltungsprozesse in der Tanzpädagogik, ATHENA-Verlag, 2008.
10. Sabine Huschka, Moderner Tanz. Konzepte - Stile - Utopien, rororo Taschenbuch, 2002.
11. Julia Dold und Lea Schilling, Kreativer Kindertanz. Spaß und Freude am Tanz vermitteln, Meyer & Meyer Sport, 2011.
12. Konstantin Tsakalidis, Choreographie – Handwerk und Vision. Fachbuch für Choreographen, Tänzer und Perfomer, Stage Verlag, 2010.
13. Donald Oliver, How to Audition for the Musical Theatre, Hanover: Smith and Kraus Books, 1995.
14. Michael Shurtleff, Audition, New York: Bantam Books, 1980.
15. Thomas Siedhoff, Handbuch des Musicals, Mainz: Schott Music, 2007.
16. Fred Silver, Auditioning for the Musical Theatre, New York: Penguin Books, 1988.

Künstlerische Prüfung

• Regelmäßige Teilnahme
• Arbeitsprobe

Benotete künstlerische Prüfungsleistung: Ballettstange ca. 30–35 Min., Präsentation einer erlernten Choreografie, Gesamtdauer ca. 45 Min.Siehe Prüfungsinhalte im Anhang der Studienordnung "Musikerziehung B.A. 2020/21" sowie weitere Erläuterungen im BTPO und ATPO.

2 Semester

Wintersemester und Sommersemester

Deutsch